Exposition du 30 septembre au 31 octobre 2013
Restaurant de la Maison des Arts du Grütli
Rue du Général-Dufour, 16 - 1204 Genève
Restaurant de la Maison des Arts du Grütli
Rue du Général-Dufour, 16 - 1204 Genève
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Je participe à la revue "Vivants" initiée par Robert Combas , journal sérigraphié noir et blanc 80 X 60 cm, avec entre autre François Boisrond, Orlan, Ernest Pignon-Ernest, Isabelle Jarousse, Anne Van Der Linden, Hervé Di Rosa, Ben, Michel Onfray, Rodolphe Bessey, Robert Combas etc...
Egalement un de mes dessins dans la revue "La Tranchée racine n°7 bis", offset noir et blanc, 66 X 47,5 cm, avec Stéphane Blanquet (couverture), Francesco Defourny, Boris Pramatarov, Lolmède Anne van der Linden, Aleksandra Waliszewska, Christelle Enault, Sam Rictus, Caroline Wedier, Amandine Urruty, Mavado Charon, Hayashi.
Et un article sur ma peinture dans le n° spécial de la revue Raw vision, "Raw erotica - Sex, lust and desire in Outsider art", édité par John Maizels.
Thèmes : Arts plastiques, Peinture -
14 SEPTEMBRE - 14 DÉCEMBRE 2013 Bibliothèque centrale, Galerie des Affaires étrangères.
Du mardi au vendredi de 14h à 18h. Samedi de 10h à 18h.
Entrée libre.
Renseignements : bibliotheque@versailles.fr | 01 39 07 13 20 Catalogue publié aux éditions Magellan et Cie, sous la direction d’Elisabeth Maisonnier et Alexandre Maral, 200p, 29€.
Bien qu’il ait disparu en 1775, le Labyrinthe de Versailles conserve aujourd’hui une aura de mystère et contribue à la fascination exercée par le Château. Dessiné et planté dès 1665 par Le Nôtre, jardinier en chef des parcs et jardins du Château de Versailles, le bosquet du Labyrinthe occupait l’emplacement de l’actuel bosquet de la Reine. D’abord simple circuit d’allées sinueuses, le Labyrinthe fut agrémenté entre 1671 et 1674 d’un réseau de 38 fontaines chacune représentant un épisode tiré des fables d’Ésope.
L’exposition installée dans l’enfilade des cinq salles de la Galerie de Affaires étrangères de Louis XV, présentera des pièces évoquant ce bosquet disparu : quelques statues de plomb, l’exemplaire du Roi du Labyrinthe de Versailles (Collections du Petit Palais), des textes, gravures, tableaux et plans… Seront également évoqués la symbolique du labyrinthe (Antiquité, dédales du pavement de cathédrales médiévales, labyrinthes végétaux de la renaissance), sa postérité, sa notoriété et ses échos historiques, littéraires ou musicaux. Le visiteur sera totalement immergé dans le Labyrinthe afin de retrouver les sensations des promeneurs de l’époque. La 5ème et dernière salle donnera un écho plus contemporain aux multiples illustrations du mythe : abandonné un temps durant le XIXème siècle, le thème du labyrinthe connaît un nouvel essor depuis le XXème siècle. Il sera présenté sous différentes formes artistiques et ludiques : cinéma, littérature, photo, land’art, dessin, mosaïque et jeux traditionnels ou vidéos.
Thème : Photographie -
Virginie Luc, Corinne Mercadier « L’acte photographique est un acte poétique », Polka #31, janvier 2013
Il y a 11 ans
/ Publications / Textes d'auteur
Contrainte de renoncer au Polaroid SX70 faute de fabrication de papier, Corinne Mercadier invente une nouvelle esthétique avec les outils du numérique. L’essai est transformé et son univers poétique redéployé
Il faut avoir longtemps scruté au-dedans de soi pour voir ce qu’elle voit, et attraper au vol l’instant aigu comme une fièvre. Une petite fille dans une forêt court au-devant d’une sorte de robe d’organdi soulevée par le vent. L’obscurité, comme l’oubli, rogne un coin de l’image. On la regarde, et on se souvient. À folle allure, l’enfance submerge. « Une fois et pas plus ». Cette fois est aussi la nôtre. Sans doute Corinne Mercadier, 58 ans, professeur d’arts plastiques dans un collège parisien, artiste formée à l'Université d’Aix-en-Provence, craignait-elle de perdre cette poésie si singulière lorsque vint à manquer la pellicule Polaroid SX 70. Le numérique s’est imposé, malgré elle. « Je n’avais pas le choix. Des images étaient en moi. Il fallait qu’elles existent », dit Corinne, sa voix douce et claire. Trois années de recherches se sont écoulées, chargées de doutes et de peurs. « Tout d'abord je ne pouvais que dessiner. Chaque dessin est un possible, un rêve ». Des carnets noircis d’esquisses et de croquis, de notes et de citations des poètes alliés – Nerval, Rilke, Kafka - , de mises en garde aussi - « Attention à la présence physique des éléments! Le symbolique n'est pas plastique en soi», note Corinne. Autant de tours et détours qui lui ont permis de trouver son identité, de s’approcher au plus près de ses visions et de leur donner corps. « En autodidacte, j’ai appris à retranscrire la matière de mes dessins avec les outils numériques. Je savais ce que je cherchais ce qui m’a permis de ne pas me noyer dans une technologie extrêmement performante. » Aux tons pastel des Polaroids, qui étaient des captures d’une première photo faite au Leica, dans lesquelles Corinne cherchait à « perdre le maximum de définition pour créer le mystère », se sont substituées des couleurs désaturées et assombries ainsi qu’une définition d’une précision sans faille. À l’intimité des premiers paysages se sont substitués des espaces rigoureux et froids, « moins intimes, plus universels ». Pourtant, les images des séries Black Screen et Solo, qui inaugurent cette nouvelle ère numérique, n’en sont pas moins étranges. Plus encore, peut-être. Car, dans la crudité de leur définition et l’obscurité de leur couleur, elles délivrent une charge de véracité autant que d’irréalité qui ne peut que semer le trouble. C’est cette atmosphère inquiétante, où la nuit irradie, qui crée un décalage avec le réel. « Comment cela se fait que la poésie traverse tant de précision ? » dit Corinne, elle-même surprise. La réponse est dans la lumière sans doute. Une lumière qui est aussi silence et absence. « J’ai élaboré la lumière de ces photographies en dessinant et en écrivant. J’ai une attitude de peintre face à la photographie. Je peux revenir sur une image six mois s'il le faut. En revanche, je ne fais jamais de collage ou de montage numérique. Chaque photographie est une scène qui a eu lieu. » D’une image l’autre, les mêmes hantises resurgissent. La solitude - paysages désertiques et silhouettes énigmatiques. L’abstraction - espaces vides, objets volants qui sont « comme des dessins dans l’espace ». La géométrie - empreintes précises des ombres, toile de fond noire… « C’est la nuit qui continue. Et même si ce n’est pas la nuit, on ne sait pas si c’est le jour », dit Corinne Mercadier qui poursuit l'exploration de l’espace du dedans, en direction de ce que Michaux appelait « les lointains intérieurs ». Car de quoi s’agit-il si ce n’est d’un voyage mental dans l’inconnu, ou, plus certainement, dans l’insoupçonné ? « Je lutte contre l’immensité, l’infini, l’anonymat et, pourtant, c’est la matière de mon travail. C’est captivant, car c’est une peur mêlée de désir ». Les images de Corinne Mercadier livrent quelque chose d’immuable et d’étrangement humain en faisant l'épreuve du dénuement et de l'aléatoire. Son œuvre est une autre fable des origines.
Thème : Photographie -
Alan Klotz, New work by Corinne Mercadier, Solo and Black Screen, exhibition at Alan Klotz Gallery, New York, April-June 2013
Il y a 11 ans
/ Publications / Textes d'auteur
Exhibition at Alan Klotz Gallery, New York
Corinne Mercadier is a dreamer...she's famous for it. And when she wakes up she often must rush to draw what she just dreamt. She knows she hasn't long before the memory will fade, and she very much wants to remember it. So the dreams, and other memories from childhood, and some of the more evocative things she has read ...the things that stay with her most strongly, end up in the drawings.
The drawings then get another life in the theater she creates on the salt evaporation flats (her stage) at Bages, on the Southwest Mediterranean coast of France. It is here that some of the memories from her childhood where she grew up, and where she still has a house, are from. It is also here that she executes her mise-en-scène with her troupe of willing models, spouse, off-spring, parents, various other assistants, prop-throwers, and, no doubt, the occasional passers-by. Corinne has designed theater sets, and her drawings are reminiscent of the notebooks kept by designers like E. Gordon Craig, but her theater more immediately reminds us of the moon. The lunar nature of her stage starts with the black sky and a landscape that seems to go off into the forever of beyond. The series, Solo, continues with strange lapses of the usually reliable gravitational force acting on the props and devices which populate her "dramas". For example, the four balls which hover in attendance in Fata Morgana demonstrate the mirage-like illusion that defines the Fata Morgana's credibility.
Historically, this conjured illusion would convince unlucky sailors that what they saw was real, and safe. But when the only color in the image is the copper glow of the hair of the sorceress, they should have known better. As should we, her audience. We have to pay attention to the other train running on these tracks, namely a slightly self-mocking sense of humor.
Outside of the somber, almost monochromatic nature of these pictures, beyond their almost silent and monkish demeanor, and minimalist appearance, there is a wonderful goofiness that refreshingly bubbles up. It is beyond the control of the black-clad, face-averting actors. In Toute Pensée, we have a serious ambiguously shrouded figure gliding by, suddenly similar to a serious Lucy from "Peanuts", taking her squiggle for a walk! She is purposefully centered and controlled, while her more calligraphic alter ego is wild, and joyous, and totally unpredictable...the perfect antidote for Lucy's austerity...a medicine for melancholy. This is not to say that Corinne is not serious, she is, but like the best of the auteurs of good French cinema, which she also admires, she allows for contradiction, a knowledgeable smirk, and the expression of a generous heart.
The negative prints, done in what appears to be abandoned buildings in the Black Screen Series, look, at first, like places we've been, but the glow-suffused common objects that our attention is drawn to take on an importance that is not supported by the more plausible backgrounds on which they are "found". They are made important by the positive/ negative switch, which Ms. Mercadier handles so deftly that many do not even detect it.
In Lames, the stack of whatever-they-are takes on an unearthly glow against their almost black background. Because they have been reversed from their original unremarkable black, something miraculous happens. She has made you pay attention, and to reevaluate the import of what you are seeing.
As the dreamer dreams, all the world shifts from the mundane to the marvelous...so we are not just seeing, but are truly seeing. One of the truths about positive/ negative reversals which helps to do that is that the middle tones hardly change at all; they just step slightly over the line. But that can make all the difference in creating the illusion of normalcy, or the revelation of the extraordinary.
In the darkened room, Balai we are simply fixated on the golden streak that runs across the bottom of the wall, like an inlay of vibrant bronze. What room at Versailles could boast so elegant a trim?
An afterword: The medium's history tells us that photography has always changed as technology evolved. But good things can also come about when technologies disappear. For many years Mercadier's prints were dependent on the gritty imperfection of Polaroid SX-70 material to create the "flawed" appearance of dreams. When Polaroid stopped manufacturing the material she had to figure out how to proceed. These two new series are her answers. It is as if she has, as indeed photography once did, broken the fetters of her Pictorial past, and opted to trust the accuracy of her camera's basic nature, to fuel the force of her expression.
Alan Klotz
April 2013
Thème : Photographie -
740 West End Ave | Suite 52 | New York | NY | 10025
Présentation de Solo et Black Screen
Avril/Juin 2013
http://www.klotzgallery.com/
Thème : Photographie -
A l’évidence, Cendrillon Bélanger est moins une plasticienne qu’une metteur-en-image-de-la-scène, et c’est là qu’elle devient compliquée. Au-delà des thèmes flagrants (la femme, la féminité, tout ce qui en découle, y compris l’amour), il n’y a pas en apparence chez elle de point de vue universel. Cela nous met toujours dans une position de distanciation, qui rend impossible tout rapport amoureux et qui se fonde sur un mélange d’admiration, de fascination et de recul. Pour Cendrillon Bélanger, l’objectif (de la caméra, de l’appareil photo ou du photomaton) est un regard.
En tant qu’artiste, elle regarde ce regard de l’objectif. Ce jeu rebute parce que le spectateur en est exclu. Dans le même temps, elle rend compte d’un personnage qui, lui, est totalement dedans. Il s’agit en général d’une femme, parce qu’elle impose une direction au regard de l’homme, celui qui croit dominer.
Tout son travail est suspendu à ce détournement du regard, à cette résistance et à cette prise de pouvoir dans la scène. Tout est contrarié sans complaisance par la façon dont l’action se déroule, jusqu’à ce que tout bascule.
Thème : Arts plastiques
